电影卷·亚洲·中国 - 《音像世界》2006年第02期 - 杂志博览

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电影卷·亚洲·中国

《音像世界》2006年第02期　　浏览人次

　　2005年，众所周知，是中国电影诞生一百周年——琥珀一样的美酒斟满了夜光杯，举杯的瞬间，所有的伤痕都变成了花纹和鳞片。微醺的音乐响起在百年的上空。没有什么可以像那些电影一样，让我们苦苦维持着内心的呼吸，让生活与梦想蚌蛤相依。我们相信真实，比如正义和真理；我们也相信幻象，比如童话和电影。我们想摒弃所有的藩篱，去接近令人心旌摇曳的本质，如一枝义无反顾呼啸的箭；我们也想坚守风轻云淡的往复，抵达惊涛卷起千堆雪的入海口，如一面千袈百衲昂扬不落的帆。世上总还会有饥饿和征伐，黑暗与不公，但我们庆幸还有电影——让行者更为有力、惑者更为坚定、歌者更为欢愉——热爱电影的人永不绝望！
　　在百年华诞的历史路口，第五代仍然在主导大局，第六代已经日趋成熟，港台电影人们也推出了很多优秀作品，《孔雀》、《青红》、《向日葵》等艺术影片不断在欧洲拿奖，《七剑》、《神话》等商业制作则接连在国内院线掀起观影热潮。这同时也是大师们宝刀不老、回归旧路的一年，《千里走单骑》、《最好的时光》、《长恨歌》、《如果·爱》都是具有怀旧气质的文艺经典。还有一些广受争议的电影，如《天边一朵云》、《头文字D》、《无极》、《杀破狼》、《如果·爱》，它们在问世后因为各种原因引起一些讨论或是争议，但是从长远看来，它们的意义都是积极的，这是发展类型片的必经之路，只有不断突破、不断尝试，才能产生更加强大的创造力，迎接更光辉的未来。
　　让我们站在2006的遥遥城楼，回首2005中国电影的迢迢山水——一起看花开成海雁渡寒潭，一起看阳光和月色静静地落满南山。
　　
　　『艺术电影篇』
　　
　　代表作品：《孔雀》、《青红》、《红颜》、《最好的时光》、《向日葵》
　　毫无疑问，欧洲就是艺术电影的殿堂，每一位电影人都有去三大影展摘金夺银的梦想，曾几何时，华语电影也是这里的主角，《红高粱》、《霸王别姬》、《活着》、《悲情城市》、《爱情万岁》、《十七岁单车》都曾经刮起华语旋风，令所有人都心存敬畏。但是后来，华语电影渐渐地失去了活力，就像枯萎的清菊，挺不起孤傲的头颅，前年，《世界》、《紫蝴蝶》、《2046》等影片相继在欧洲沉戟，望着韩人金基德前收后割，让人不得不为往日的辉煌而叹息。还好，2005年风云突变，华语电影似繁花锦簇，在欧洲相继开花，集体实力、影响力的展示，使欧洲评委们开始重视华语电影的影响力。大大小小的奖项为华语电影赢得了一个非常体面的格局，但是，短暂的胜利不能掩盖住本质的贫瘠。宣传、展映的商业电影喧宾夺主，艺术电影处于萎缩期，《青红》、《最好的时光》都不是导演们的最佳状态，缺少新鲜血液的华语电影仿佛是一位吃着退休金的老工人，看不到未来。
　　
　　《孔雀》只求浮萍有人赏，不问开屏多壮丽
　　小成本的艺术片《孔雀》在柏林拿到了银熊，事前没能想到顾长卫能献上这么大的惊喜，虽然在执导处女作之前已经是声名远播的摄影大家，但是顾长卫并没有乱用那些华丽的色彩，而是始终保持着一个小导演姿态，倾尽全力地讲述了一个与商业毫无关连的故事，朴实无华的气度正是影片获奖的最大原因。顾长卫用人的本事也让人佩服，女主角张静初在《孔雀》中表演得非常精彩，深刻到无法释怀。现在看来，顾长卫拜柏林银熊所赐的只是一个好口碑，因为缺少商业卖点，《孔雀》的票房收益只能用卑微来形容。
　　“每个人的人生都像是被关在笼子里的孔雀一样，被观赏的同时也在观赏着别人，尽管一生再黯淡，平庸的岁月再漫长，也总可以等到开屏的瞬间。”这是顾长卫对片名《孔雀》作出的诠释，也是对整部电影的注解。我们看着《孔雀》，看着电影里的人生，我们的人生也一样在被别人看着，现实里，每天都有千千万万部《孔雀》在不停歇地上映着。
　　姐姐，一个彻底的浪漫主义者，一个生活在自己梦想里的女孩。她希望自己是一只耀眼的时刻在开屏的孔雀，她的心里一直充满着激情，从电影开头她专心地拉着手风琴时，身后烧开了水的水壶不安分的吱吱声，就暗示了姐姐内心潜藏的汹涌。但姐姐从没了解过自己，也许在那样的年代，很少有人有机会去思考这个问题，究竟如何才是自己想要的生活，处于大时代底下的人总是跟蝼蚁一样被生活的轮子逼迫不停往前走，却从来不看方向。
　　每个人都有过年轻时代，每个人都曾经有过梦想，想必爸爸妈妈也是如此。爸爸妈妈在电影里的形象会让大部分观众联想到自己的父母，辛苦一辈子，没有成就什么大事业，一切都是为了孩子。生活的残酷，把他们从曾经的孔雀变成了老母鸡，就像天下所有的父母一样。爸爸妈妈为了子女奉献了一切，他们无法实现自己的梦想，只能把希望寄托在孩子身上，所以当爸爸看到弟弟画的裸女图时，那种歇斯底里的绝望便可以理解，他无法承受自己最后的希望就这样破灭。他不希望子女们重复自己灰暗的生活，可怜天下父母心。
　　我们都有自己的梦想，有的实现了有的破碎了，旧的梦想逝去，新的梦想生长出来，我们就是这样在不停地生活着，也许幸福，也许不幸福，我们都可以开屏，但开屏的时候不一定要围满了观众。最后，孔雀开屏了，电影里的他们却都错过了。
　　

　　《青红》年代悲剧的蔓延
　　柏林之后是戛纳，4月19日，戛纳电影节的艺术指导特艾里·福茂公布了参赛片的入围名单，华语电影有三部。内地第六代导演王小帅带来了新作《青红》，再一次没想到，《青红》拿到了评委会奖，事实证明了成长题材就像是荒漠中一口取之不尽的水井，滋养着第六代导演的创作力。《青红》很适合这一届戛纳的父爱主题，一个固执的父亲，一个春心浮躁的女儿，组成了一段泡在雨水中的故事，显得格外凄美。
　　《青红》中有两条矛盾主线：一条是关于年轻人与父辈之间的矛盾，另一条是关于父辈们与回乡政策的矛盾。作为从大城市来到贵州山区支援三线建设的那一代，老吴他们无疑是不幸的，所以总是千方百计想回到上海，同时不希望自己的子女重复自己的老路。
　　然而一方水土养育一方儿女，青红他们这一代显然更钟情于这片山青水绿的生长地，上海在他们脑海中只不过是一个模糊的概念。与父辈们把回上海当作终极目标所不同的是，青红和小珍整天抱着青春期少女的幻想而期盼地活着。
　　父辈们依然为自己上调回城的事忙得焦头烂额，但事实上上头并不理睬他们，即使他们像狗一样跟在领导后面也无济于事。父辈们的狗样生活显然是他们那个年代酿成的悲剧，所以他们保守，他们固执，以为按照头脑中美好的构想就能使自己的子女过上幸福的生活，但孰不知另一出悲剧正在悄悄地上演。
　　从《站台》到《孔雀》再到《青红》，描述的都是八十年代初期普通老百姓的生活。那个时候内地的人们，思想观念还相对保守，把找到一份工厂里的固定工作看作是铁打不动的饭碗，来自港台的流行文化冲击着他们的思想，来自南方的惊人变化拨动着他们的神经，终于他们开始按捺不住内心的骚动，从各个方面寻求改变。那个时候我们都还年幼，贾璋柯王小帅他们却已经是日渐成熟的青少年，于是对此感触更深的他们便将这样的生活付之于影像，但什么时候银幕上又会真实地出现我们现在这个时代的生活呢？也许真的要等到“第七代”的横空出世了。
　　
　　《红颜》祸水？
　　《红颜》说的是一个孩子喜欢上一个比他大很多的“坏女人”，但其实他是她的儿子，而两人都不知道。尽管电影把握得很稳，不往畸恋的方向发展，但母子恋的关系还是呼之欲出的。好在这个小孩只有10来岁，不经人事，设想把孩子年龄提到15岁以后，或者让这个孩子就和他母亲保持这种关系直到孩子长大以后，那悲剧的力量就爆发出来了。所以说，这是一个被隐藏着的有巨大震撼力的悲剧。
　　

　　

　　毫无疑问，这一部女性主义电影。
　　影片选择了一个比较敏感的题材：姐弟恋或者说是隐晦的母子恋，势必会成为吸引观众的重要看点。不过，影片并没有在不伦之恋上大做文章，在小勇的身世被揭露之后，将叙事重点围绕在他周围三个女人所表现的复杂心态上，而且处理得相当细腻到位。可以想象同样的题材，如果换成韩国导演，必然会在伦理道德的突破上对观众的心理形成极限的挑战。
　　影片中男人的缺席，似乎将苦难与折磨都留给了女性。片中所有的女性都是单身，她们将积蓄的情感全投射到小勇身上，他经常要趟过的闸口，那哗哗流淌的溪水便是一种隐喻。“水”是影片的主要母题，在片中反复出现，强调着影片的性别倾向。不过，即使具有这样强烈的性别意识，影片始终不过激，保持一定程度的中庸，这是影片获得成功的关键性策略。
　　影片的氛围营造也是非常出色。封闭潮湿的生活环境、嘈杂纷乱的生活场景、早已不时髦的流行歌曲、没落的川剧班子，相当传神地将川省小镇特有的生活状态烘托出来。特别那些口语化的台词，极端的生活化，更让人触摸到真实的生活气息。
　　结尾，小云的出走看似一个无可奈何的妥协，实际上更深一层地表现了女人们面临的困境与苦难。
　　
　　《最好的时光》经典旧作的完美修复版
　　侯孝贤，这位来自台湾的艺术片大师已经多年没有令人满意的作品了，当年《千禧曼波》问世后，很多沉浸在“悲情三部曲”中的影迷们不禁感叹岁月的残酷，留不住最美好的时光。当侯孝贤拍摄了日语片《咖啡时光》后，影片中再不见那些凝重的长镜头、碧绿的乡村小景、杂乱却质朴的台北街道，取而代之的是越来越现代的电影语言。影迷们似乎都已经绝望了，但是在2005年，侯孝贤却突然杀出回马枪，《最好的时光》让人再次看到了青年时的侯孝贤。从电影意义上来说，重复以往的题材是一种倒退的表现，但是考虑到影迷对侯孝贤电影的喜爱，《最好的时光》也可以称得上是侯孝贤旧作品的一个完美修复版，“恋爱梦”、“自由梦”、“青春梦”可以分别代表侯孝贤的三个创作时期：“童年纪事”、“悲情”、“千禧”。“恋爱梦”是《恋恋风尘》、《风柜来的人》的浓缩版，涟涟的雨水洗刷去一切不安定的情绪，一段莫名的惆怅之爱均匀地铺满整个屏幕。“自由梦”是《海上花》的默片版，深情又无奈的时代悲情。“青春梦”虽然与《千禧曼波》只有背景时代上相像，但是由于舒淇的表现，使两个角色显得格外相象，欧阳靖与蔷薇这两个角色甚至能让人产生了前世今生的感受，当然不会是巧合，《最好的时光》分明就是在提醒大家，最好的侯孝贤回来了。
　　
　　《向日葵》心灵之弦
　　第六代导演张杨执导的《向日葵》在西班牙圣塞巴斯蒂安电影节上获得了最佳导演奖和最佳摄影奖两项银贝壳奖，这是他继1999年的《洗澡》之后第二次在该电影节上摘得最佳导演奖。《向日葵》是一部带有自传性质的电影，孙海英的表演很精彩，把父子之情演绎得催人泪下。
　　这是一部由无数意外冲击而成的影片，从童年向阳不小心用弹弓击中父亲的头开始，导演张杨通过一些或搞笑或悲伤或真情流露的生活插曲，合奏成几个中心“失误”：父亲没有想到自己的爱会变成儿子的伤痛；老刘没有想到写点真话会导致朋友被下放改造长达6年时间；向阳没有想到初恋女友于红会提出分手；母亲没有想到分到新房子后得孤单地活着……种种变幻中，张杨放松地在悲喜剧里穿行，将观众的心接到那颤动之弦上。
　　在这个时代与面孔的交叠离合中，《向日葵》获得了多个观看方向：大到独裁压迫，小到家庭关系；抽象如“弑父情结”、具体化如教育问题、青少年叛逆等。导演张一白看完影片后就说过，如果《孔雀》和《青红》都是“个案”的话，那《向日葵》就是“共案”。
　　让人佩服的是，张杨并没有就此自我拔高去责难历史，他选择了从平凡的生活亲情里去“重建”，而不是艺术片导演惯用的“追问”，从而化解了制造冲突的硬伤，并通过电影末段时的“父亲群像”镜头告诉我们：父亲也是孩子，他的一生都在成长。
　　华语艺术电影的欧洲之行由《孔雀》开始，至《向日葵》结束，巧合的是两部影片的结局都有开放意味，一部是孔雀开屏，一部是花盘盛放，但愿华语电影能够永远保持住这样明媚的画面。
　　
　　『商业电影篇』
　　

　　代表作品：《七剑》、《头文字D》、《长恨歌》、《神话》、《如果·爱》、《情癫大圣》、《无极》、《千里走单骑》
　　华语电影在这一整年里变得复古，很多成名导演都回归了从前的路线，如怪侠徐克重回武侠，拍摄了《七剑》；刘镇伟时隔十年之后为无厘头经典《大话西游》推出续作《情癫大圣》；关锦鹏也重回赖以成名的上海佳人题材，将王安忆的小说《长恨歌》搬上银幕；陈凯歌挟王者之气推出《无极》；张艺谋更是在两部武侠片大红大紫的情况下回头重提文艺题材。大佬们纷纷走上回头之路，或总结、或回顾，搬出了自己的看家本领。2005的华语影坛被这些回归的大佬们装点得格外缤纷。
　　
　　《七剑》元气淋漓，沛然莫之能御
　　当武侠片从昔日的辉煌进入今天的落魄局面，最令人激动的回归者当然是徐克。只有徐克可以如此逆流而上、笑傲众生。《七剑》中凝结着大师坚执的武侠梦想，《新蜀山剑侠》中的宝剑，《笑傲江湖》中的江湖，《东方不败》中的儿女情长，《黄飞鸿》中的侠义心肠，都在《七剑》中一一展现。《七剑》的意义不仅仅是今天的价值，现在看来，徐克似乎很难完成当初构想的6部《七剑》，因为印象中的他总是不断撕毁旧计划，去完成一些更新鲜的构思，但是不管怎么样，当多年以后，当我们回头再看《七剑》的时候，它可能是武侠片的一个句点，也可能是武侠片的一个新起点，它就像是一座坚硬的里程碑，记载着曾经的辉煌，铭刻着一个独一无二的武侠时代。
　　《七剑》上映之后，毁誉参半，媒体上多的是给徐克挖骨取髓的文字，民间的力量却彰显出给老怪平反的趋势。近几年的华语电影，能让我们看得热血沸腾、血脉贲张的，大概也只能数出一两部。电影好就好在元气淋漓，不在细枝末节下精巧功夫，却在整体上达到了高境界。徐克以前的电影，或飘逸难测，或诡秘迷离，或潇洒不羁，总之算是婉约一派，纵然豪迈，骨子里也是伤心和避世的。而这次来了个大开大阖，所谓重剑无锋，大巧不工，真正拍出了香港电影难得一见的史诗气质。七剑出场，歼灭风火连城一个分队的场景，算是整部电影最华彩的一段，一个个高手露出压箱底的功夫，看得人眼花缭乱，血直往脑门里冲，隐隐有出冷汗的感觉——这是看到好片子最直观的感受。
　　徐克的野心，是打造一部沟通天人的史诗电影，对于以往的武侠类型片模式既是颠覆，也是总结。由此我们可以看到游离于剧情主线之外的闪光点：七侠看日出，那样的阳光明媚，这是同生共死的默契宣言；老马来福对主人的依依不舍，折射出的是成长过程中必经的无奈选择；口音的南腔北调，说明了这些人物来自五湖四海，更显大气；甚至是几场激情戏，看似突兀，也是有意味在里面的：侠客精神的激情彭湃、昂扬不屈，往往也伴随着性的觉醒而到来。
　　当然，电影本身绝非完美，首先剧本上就存在问题。结构、剪辑都有杂乱无章之处，比如这样阳刚的电影，情情爱爱的东西没必要插得太多，演员的表演也有过火之处。还有川井宪次配的音乐，客观来说已经非常优秀了，可算锦上添花，但与剧情画面的感觉还是不够“贴”，终究是少了霑叔那样的神来之笔。然小疵不掩大醇。考虑到如今的国产电影看似繁花似锦，其实面对着难破的困境，我们对于一部有诚意、有想法的电影，所持的也不应该是鸡蛋里面挑骨头的讥嘲态度，而是耐心、理解和支持。
　　

　　

　　《头文字D》周杰伦的人气是影片票房的保证
　　炒作的魔力，令我们这个不健全的市场犹如被注入强心剂。可是谁都知道服用兴奋剂的代价不是？从今年几部热卖影片来看，演员星级依然是最吸引观众的因素。然而这并非1＋1＝2一般的简单。明星用得好，一个周杰伦便可以解决所有问题。在既无新鲜要素，又无原著神髓的《头文字D》中，周杰伦的表现和这部电影一样空洞无物，然而这不妨碍影片的热卖。这是取巧不假，这其实也是最牢靠的保险。
　　
　　《长恨歌》华丽其外，平庸其中
　　这部电影的“野心”是大的，它要王琦瑶跨越几个时代去经历四个男人，这样的辅呈陈然不是一部一百多分钟的电影能够承担得起的。可是关锦鹏硬要把这四段感情硬生生塞进去，令我们总是在还未被感动时就看到了终结，很莫名其妙，也无法投入。特别是王琦瑶与生命中第一个男人李主任的纠葛，这是突显她“痴情”的重要环节，可是里边用很多党系斗争的戏占去了一半的情节，最最可笑的是那些说明的字幕，仿佛是要交待个背景，却让整个电影的风格更加不伦不类。表现时代背景本就不是关锦鹏的强项，这从《蓝宇》就能看出来，这一次却更加生硬，硬要把程先生搞去“上山下乡”，这些胶片还不如去多描述些他与王琦瑶之间异于友谊的奇特关系更好些。大概关锦鹏早已忘记了《红玫瑰与白玫瑰》中人物感情爆发之前那诸多精美暧昧的铺垫，更是将当年《胭脂扣》里爱情的缠绵悱恻给舍弃了。我不晓得如果一个女人那为爱追寻的一生如此“走马灯”，创作者还想用她来表达什么？
　　这样无奈的转变只能将电影变得更加“吃力”，没有了感人的爱情，没有了繁华烟云散尽之后的隐隐哀怨，也没有了上海女人特有的玲珑剔透，终于这部电影成了一个女与四个男人的“风流史”，甚至粗糙到最基本的情欲都没有着笔。于是心里会无端地想，郑秀文如果早前就不去演傻白领，而是用她原本就有的高贵时尚来诠释些真正有灵魂的角色，那么也许还能挽救这部电影，至少使其不流俗，但是很可惜，这样的角色对她来说是第一次尝试，能做到不过不失就已经很好了，所以电影该失败的还是失败了。
　　看完这部《长恨歌》，有些痛恨关锦鹏起来，可能他以为我们都只喜欢王家卫，或者是看轻我们，认为我们分不清他与王家卫的区别。于是让他的作品弄得好似非要让一个小麦色皮肤的女人涂上流行的亮白色粉底，上完妆后铁定会失去原汁原味的美感，而成了在路边搔首弄姿的庸脂俗粉。
　　
　　《神话》2005版《古今大战秦俑情》
　　一个现代男子和一个古代女子在我们所不知的时空邂逅，那个女子问男子：你还记得我吗？我一直在等你。如果我们必须讲述《神话》，我们也许会再说一次那装饰在白色裙褶中不渝的千年之约，以及漂浮在空气里无声雕像被岁月蚕食的斑驳，也许，我们会述说这个故事的结局，尽管它已经无所谓了，因为，在一场梦与现实交替的大背景下，这种凄美婉转的情怀更像是一个圈套，没有任何现实与逻辑上的支撑，却并不影响那些旷远的空间所带给我们的无穷想象。
　　不必再说《古今大战秦俑情》里巩俐的一袭红衣，不必再说《梦中人》里，周润发与林青霞的聚散两依依。在那个远离工业时代的王朝，我们只看见嫁与宫中的异域公主紧紧地抱住冻僵的秦皇战将蒙易，她的胸膛滚烫，泪水冰冷，却从此心甘情愿地把一腔痴情，托付给一个明知不可能永远与自己在一起的人。而当她在地宫再次抱着昏迷的他，时光已经跨越千年，他不再是征战沙场的将军，可她却还是秦朝的女子，她就望着他轻轻地笑了，一如当年，荷花池畔，她不苟言笑的表情让画匠苦叹，可转瞬女子望见他走来，那笑容便如撑裂隆冬的桃花盛开。不必再计算，千年万年，是多少浩淼人间离离合合的铺垫，可这笑容，却依旧如秦朝的初相见。
　　其实，这只是一个关于等待的故事，尽管它被布置得如此奢华。紫烟弥散，那一羽素衣脱俗的色彩，那一些美丽绝伦的台词，衬托出来的，便是一种悲剧。
　　就这样吧，那些轻浅的情事：一个微笑，无数次眼角温暖的余光，一个寒冷的夜晚里长久的拥抱，千百回对某人名字的默念。当它们成为鸩毒与墓志铭，这些可以被轻易忘掉的最微小的细节，那些已经被埋葬过的最好的年华，还记得它们的人，看到的终于也只是一场破绽百出的故事里，心有戚戚的神话。
　　

　　《如果·爱》 2005歌舞忧伤版《甜蜜蜜》
　　公元一千九百九十五年，伴随着邓丽君一首悠扬甜美的《甜蜜蜜》，黎小军和李翘在纽约街头相遇了。而恰在此时，林见东和孙纳的故事也在北京拉开了序幕。
　　林是标准的乖男孩，他只想和爱人长相斯守。孙却是典型的不安分女孩，一种出人头地的欲望始终缠绕着她，让她最终离林而去。如果林是个傻子，那么十年以后林和孙的相遇就会像重逢的阿甘和珍尼。可惜他不是，十年后他想做的，只是鄙视和报复。终于，他成功地把她拉回到了十年前，自己却飘然离开。但报复并没有使他得到任何心理上的快慰和宁静。他终于还是想和她一起走回去，但他们回得去吗？答案是否定的。因为在她离开他的日子里，文走进了她的生活，开始了另一个“林”与孙的故事。爱情就是这么复杂，就是这么不确定。最后，他们都选择了离开。
　　这就是《如果爱》想告诉观众的爱情故事。歌舞只是表象，只是人物内心独白的形象化与夸张。电影要阐释的只是一种人生无法左右的“不确定”。说玄了就叫“缘”的东西。
　　为了增加的观赏性，电影采用了戏中戏的结构。让人物的内心冲突通过音乐和舞蹈更加形象更加生动地表现出来。为了让观众更容易看得懂电影，影片还专门设置了池珍熙这个类同于旁白的角色。于是，影片的脉络变得明晰，不会像《甜蜜蜜》那样有很多朴实平淡的东西需要观众去猜想，去揣摩。这是陈可辛商业上的成功，也是他艺术上的失败。因为观众需要的或许正是在平淡中去猜想，在朴实中去揣摩。
　　电影其实也代表了一种情感状态，一种创作者在创作阶段特有的情感状态。十年前的陈导，怀揣着理想主义的梦想。所以他将底层的生活诠释得那样温和细腻，让情感的花朵绽放得那样绚烂迷人。十年后的功成名就使他也沾染了世俗的尘埃，充满了中年的惆怅。美好的情感就此成为一种追忆，一种靠音乐舞蹈唤起的追忆。
　　对照《如果爱》，重温《甜蜜蜜》。我们惊叹，《甜蜜蜜》已成绝唱。我们感叹，《甜蜜蜜》就是《甜蜜蜜》，不必再重复，无须有续集。我们也仿佛看到了纯真的远走，韶华的逝去。看到了陈可辛的成熟与妥协，他给简单的情感穿上了华丽的外衣，使草根暴富为大资，让逃避代替了坚持。于是，欲望亵渎了纯真，奢靡掩埋了朴实。我们再也挤不出感动的泪水去为真情喝彩，剩下的，只是浮华背后的一声叹息。
　　也许，这正是《如果爱》想表达的全部。
　　
　　《情癫大圣》只是优秀，未能超越
　　刘镇伟在《大话西游》十周年之际推出前传是一个聪明之举。从整个故事来看，《情癫大圣》在恶搞幽默方面还是基本延续了《大话西游》的老路子，只不过如今却已物是人非，一代新人换旧人，那一批老戏骨已被一批新新人类所替代。由此可见刘镇伟全新打造的作品《情癫大圣》所针对的市场受众已经不再是当年那批大话迷，转而面向的是更多的年轻观众群。采用如谢霆锋、梁洛施、陈柏霖、阿SA这样一批新人偶像挑大梁，原本就说明了影片的市场方针，但是与周星驰、吴孟达、罗家英这一批老戏骨相比，同样的台词从新人们口中吐出显得弱了不少，同样的幽默桥段套路在新人们的演绎之下显得不够有感染力，很大程度削弱了影片的幽默程度。以这样的市场方针打造影片，刘镇伟自然在许多方面尝试了更多的新招，想象力更是匪夷所思的蔓延，连科幻情节也被纳入到影片之中，人类始祖的宇宙飞船PK妖精军团，只觉得热闹非常。在这闹哄哄的故事情节之中，大家笑得很是开心，不少人甚至觉得特效不错，场面挺宏大的。其实特效场面CG痕迹要比《无极》明显得多，完全就是一个日本动漫的效果，但是却没有人去计较这些，反而坦然接受。
　　

　　

　　影片从头看下来，整体还算不错，只是略感节奏稍稍快了些，不过毕竟是拍给年轻一代看的喜剧，自然不必像《大话西游》那样拍成上下两部来讲一个故事，新新人类没耐心花太多时间去欣赏和回味一部娱乐影片。《情癫大圣》的情节没有《大话西游》那样编排得复杂，也没有那样经得起推敲，不免时有硬伤显露，特别是在情节发展和人物塑造上没有能够用足笔墨，造成这一硬伤很大程度是由于加入太多的动作特效场面，免不了将文戏上的时间挤掉许多。这其实是个矛盾，刘镇伟即需要快节奏来迎合年轻观众，同时也需要华丽的场面来加强看点，自然免不了会牺牲掉一些好东西，毕竟不可以让《情癫大圣》重蹈覆辙，再次成为票房失败的《大话西游》。
　　但中《大话西游》毒太深的观众，心中忍不住还是会将两部影片摆在一起，仍旧觉得《大话西游》似乎更合心意，无论是演员的表演还是那些台词，或者说整个故事的构思，《情癫大圣》都达不到那个水准，因为那才是刘镇伟真正的全部心智的结晶，《情癫大圣》有着太多因素的局限和考虑，也就只能走到这一步而已。哪怕是影片的原声音乐，虽然久石让的不错，但也许人们仍旧喜欢卢冠廷的歌。
　　
　　《无极》浪漫主义极致之作
　　《无极》绝对是应该被我们铭记和反复观看的电影。对于中国影迷时而娇惯时而宽容、时而盲动时而矜持的胃口而言，《无极》拿捏得恰到好处。它横亘于史诗片和魔幻片之间，打通了动作片、神幻片、爱情片和电子游戏之间的纠葛脉络；其剧情之曲折，画面之精彩，卖点之繁多，实在是“犹河汉而无极也”。在一片温吞气质的中国电影圈，《无极》大胆的想象力和狂放张扬的态度，使它具有了迥异于同侪的异样气息，它风格诡异、色彩班驳，在奔放的想象力之中，又仍然保留了陈凯歌永远挥之难去的理性态度。
　　《无极》在视觉上几乎无可挑剔，大师级的正子宫也与叶锦添设计的人物造型都很抢眼，比如光明的“鲜花盔甲”，比如鬼郎的“乌鸦袍”，比如倾城的“千羽衣”，比如无欢的“亮银盔”，再加上海棠树的粉艳欲滴、大草原的油然而绿，还有风起云涌、日落生息……每一个镜头都美得如梦似幻，如烟似雾。叶锦添曾说，《无极》的视觉效果是“流动”的。的确，对于已经习惯于看陈凯歌以古典与拙朴表达高贵的我们来说，这是令人欣喜的变化，这是不同于以往的全新的陈凯歌。《无极》被称为“中国《魔戒》”，就视觉方面的水准而言，《无极》无愧于这个称号，不仅因为它的视觉效果达到了超一流的水准，同时也因为它的美感是绝对东方化的。
　　当然，更令人欣慰的是，在这些宏大的画面背后，我们看到的还是多年前那个陈凯歌，那个喜欢思辩与探究的陈凯歌。故事发生在“无极”这样一个被抽象了时间和空间的世界中，这种抽象性，一方面消除了时空限制使影片在今天这样的全球化背景下更加具有全球传播的普泛性，同时也消除了狭隘的历史感，使故事有了更强的形而上的意义。我们经常能够从陈凯歌的电影中感受到哲学思考和美学追求，《无极》便是一种大写意，一种声画结合的新鲜印象，它重在美的感受。陈凯歌在一个无具体时间空间的虚拟环境下，以写意的方式说了一个寓言式的故事，这样叙事方式随意结构更有利于导演的哲学思考的挥洒。这是一种全新的电影风格。
　　与影片的视觉效果和动作设计一样，《无极》的音乐同样是世界级的水准。来自好莱坞的配乐大师CLAUS BADELT所做的交响乐沉郁逼人、大气磅礴，非常适合影片的话剧化风格及神话寓言气质。影片几乎每个段落都有音乐。音乐成为影片画面极为重要的烘托和升华。难能可贵的是，虽然由好莱坞班底来操刀音乐，但是片尾还加入了一些藏族音乐元素，丰富了电影音乐的中国味道。
　　中国电影最需要的是什么？第一，需要打破成规的勇气，需要奔放大胆的想象力，需要勇于尝试的胆量；第二，需要高投入、高票房的良性循环来刺激整个电影工业的蓬勃发展。这两点，《无极》都具备了。在商业电影极度匮乏的中国影坛，《无极》的出现，绝对是一个可喜的讯号。
　　
　　《千里走单骑》瑕瑜互现
　　张艺谋的回归属于必然之路，在票房热卖却恶评如潮的《英雄》与《十面埋伏》之后，张艺谋非常及时地推出了口碑极佳的文艺片《千里走单骑》，挽回了名誉。这一次没有巨额的预算，使用了很多群众演员，明星只有一个，却几乎可以称得上同类演员中的亚洲第一人：高仓健。张艺谋的商业眼光在过去的几年里已经修炼成火眼金睛，从题材、剧本、选角到最后的宣传，《千里走单骑》可以说是运作得中规中矩。
　　张艺谋在《千里走单骑》中显然贯彻了其一贯的一根筋精神，片中的高田就像以往的秋菊、魏敏芝一样，不达目的誓不罢休，哪怕困阻重重都百折不饶。但我们要认识到的是，《千里走单骑》与《秋菊打官司》和《一个都不能少》有着质的不同，因为它的主人公是个日本人，而我们中国又是出了名的礼仪之邦，中国人对客人尤其是外国客人的热情更是举世皆知，由此，高田在中国实际上没有遇到什么特别的困难，除了李加民入狱的意外，他在中国最大的障碍就是语言问题。而张艺谋的意思也很明白，即便存在语言甚或其他障碍，只要人们互相真诚地面对，一切问题都可以迎刃而解，从而达到情感上的互通与交流。所以我们看到，高田顺利地感动了外事办的工作人员，顺畅地进入监狱拍摄傩戏，也如愿进入石头村结识了小杨杨。相比张艺谋其他的半纪录风格作品，《千里走单骑》的叙事无疑进行得太顺利太理想化，比较而言戏肉不够丰富，趋于平淡。高田与其他角色如邱林、蒋雯、石头村村民等也没发生深层的碰撞（比如文化、习俗层面上的差异都可构成有趣有意味的桥段，可惜张艺谋不是李安），缺乏戏剧性的冲突，故事整体上浅尝辄止，我们所看到的只是，我们的同胞用自己的善良和通情达理，为高田不断开路搭桥，铺就了一段温馨温暖的中国之旅。
　　全片最好的是高田与杨杨之间的戏分，尤其是两人迷路后在深山里彼此依偎，寒冷月夜下互相寻找拥抱父/子的感觉，拍出东方式亲情伦理的含蓄韵致。而正是在那一晚，一健去世，增添高田不可挽回的悔恨痛疚。但这样动人的段落全片太少，时间又过短，那种稍有催泪感觉的效应未能深入、放大，不能挽回整部影片在整体上的温淡乏味。好在《千里走单骑》有高仓健先生坐镇，他那近乎不动声色的表演，他的沧桑与风度，拯救了这部电影不至于沦为廉价的滥俗产品。想想高仓健年过七旬、膝下却无儿女的人生空白，其表演之逼真投入更令人敬佩——尤其是在这样一部剧本不扎实、牵强为文的电影中。
　　《千里走单骑》讲中国人与人为善、助人为乐、成人之美，还大谈中日人民的友好善良，心意相通（高田和健一父子，与李加民和杨杨父子，形成的是一种互文关系，彼此参照，都是表现有缺憾的父子情），本是美事，却不能令人满意，原因除了前文提到的剧情生硬、剧力较弱等种种，还在于缺乏文艺片该有的思索/想象空间。像“千里走单骑”的双重含义，还有傩戏面具与真诚交流的引申，都太直观浅露，衔接得不够含蓄，影响了影片的深度。而最有可能授人以柄的是，大概为了取景方便漂亮，把傩戏从贵州等地张冠李戴地移植到丽江，而据资料显示，丽江只有滇戏传统，并无傩戏这一戏种；偏偏影片采取的是半纪录式的拍摄手法，并打上字幕标明“丽江”字样，这恐怕会谬种流传。还有那一眼望不到边的百桌宴，铺张的效果惊人，实有奢侈和媚外的嫌疑，又无确切的剧情意义，不过是民俗的摆设和堆积，这也是老谋子的老毛病犯了。
　　
　　『八卦另类篇』
　　
　　代表影片：《天边一朵云》、《爱神》、《AV》、《做头》、《怪物》
　　大部份的导演都把激情戏当成了电影的卖座法宝，因为商业片有一条不成条的定律，衣服脱得越多，票房就翘得越高。2005年，有很多华语电影都学会了在激情戏的边缘游走，用以吸引更多眼球，就拿岁末的几部贺岁片来说，《如果·爱》让周迅和金城武脱了一把，但是因为两位主演的“脱戏”都不新鲜，所以没有获得太大效果。《无极》做得就比较巧妙，在公映前一个月就将张柏芝和真田广之的激情戏曝光了，然后导演再一本正经地站出来，说，激情戏是完全为了剧情的需要的，是艺术的需要。当然是艺术的需要，大家都是为了艺术献身。早上几个月上映的《神话》则显得文明多了，它只是让美女的衣服一层层被鼠胶粘掉，比起纯粹的情欲，更多了几分诙谐。而成龙大哥和金喜善之间更是文质彬彬，堪称君子。另一部同样邀请到韩国女明星的电影就没有这样客气了，《七剑》完全展现了金素妍的美背，同时也让甄子丹大哥全裸上阵。
　　今年度在激情戏方面最有突破性进步的导演是王家卫，他在《爱神》中让张震在巩俐面前褪下裤子，任凭巩俐的手在其间游走。而在《做头》里，芳华已去的关之琳女士的全裸出镜，以及她和比她小很多很多的男孩霍建华的激情戏便是这部戏的宣传要点。彭浩翔的《AV》讲的是年轻人如何发挥聪明才智拍一部AV出来的故事，电影的关键词就是AV和女优，而且电影里还真的请来日本AV女优天宫真奈美现场表演。彭浩翔的黑色幽默使得这部电影并不只是一部AV那样简单，也不只是AV拍摄日志那样木然，里头更是放置了他对这个时代的青年的思考。比彭浩翔更大胆的人是台湾艺术片旗手蔡明亮，他在《天边一朵云》中使用的疑似口交镜头惊世骇俗，令天下大乱。有人说这是一部充满隐喻、符号和多重所指的后现代电影，这种饶舌的说法似乎正好可以说明这部影片的复杂。蔡明亮带着性爱走出了很远。
　　2005年华语电影的整体态势是在回温，有了这么一个好的态势，再加上一个宽松的创作环境，中国电影在过了这个百年生日以后，必定会有一个灿烂的前程。
　　